巴赫的大提琴组曲包含如此多美妙的细节，以至于你每次演奏它们时都无法演奏的相同。有太多的事情需要考虑，决定你想强调哪一个是一个挑战。在玩套件之前，我强烈建议你自己进行一些研究，以便你完全了解需要做出的决定。玩家不习惯的行为是很危险的。仅仅因为你听说过它以一种方式演奏并不意味着它应该是这样的。当然，复制并不总是错误的，但你需要了解所呈现的结果背后所具备的想法。
查看作品的背景、时代的历史和巴赫的写作习惯。从我自己的研究中让我印象深刻的是，没有什么是严格的或公式化的。我读过的不同论文彼此不一致，这表明有无数的时尚、影响、想法和不同的演奏方式。对我来说，大提琴组曲的重要之处在于它们的音调。我认为巴赫想融入不同的声音世界并相应地选择他的琴键。G大调第一组曲的音调在我看来就像蓝色：它暗示着满足、安定和安宁，以及流畅和轻盈。它不是太深，但很自然。即使在跳舞的Courante和pesante Gigue中，你也能感受到这种音调。在第一大提琴组曲的最高分，我写下了“冷静、流畅、
一份来自安娜·玛格达莱娜·巴赫(Anna Magdalena Bach)的手稿，另一份是约翰·彼得·凯尔纳(Johann Peter Kellner)的手稿——但不要将它们视为绝对的。他们很快就写下了乐谱，许多他们清楚的事情现在对我们来说并不那么明显。同一音乐的段落也存在不一致之处。
开始时（示例图），我在小节的第一节和第三节拍下前三个半八分音符，并在中间拉低音符。交叉线可能很棘手，但如果你保持冷静并且不要过度强调你的交叉线，它就会奏效。旨在顺利播放。通过弹奏和弦来练习。这使你的弓几乎保持水平。然后，你可以通过用弓沿着琴桥的形状传播音符-无需彻底改变每根弦的头发角度。强调第四个上弓半八分音符有危险。
为了解决这个问题，我开始让弓向中间移动。然后我在同一个地方弹奏半八分音符，并在第二拍时用连线重新回到靠近脚后跟的位置。尽量不要被青蛙卡住。对于一开始的共鸣声音，请使用轻快、通风的弓弦——不要按下并试图抓住每一个音符。
虽然我认为了解整体谐波结构很重要，但也有必要了解较小的谐波结构。许多巴洛克音乐都是围绕着紧张和释放而建立的，这在前奏曲中很明显。有一些明显紧张的杆，例如杆11和13（示例2），它们中的每一个都会释放下一个杆中的张力。旨在在下一个小节中显示每个这些时态小节的分辨率。杆22中的fermata将运动分开。
停顿之后，音乐是基于音阶而不是琶音和和声运动，而主导音D则更为明显。在这后半部分，你需要改变使用弓的方式，并根据弓的轮廓使用各种笔画。下半场的节奏可以更加多样化——前半场有一个稳定的基本和声节奏，不允许太多的拉动。在fermata之后，我尝试保持相同的总体速度，但会根据音乐的轮廓而有所不同——转到最高音符，而不用担心节拍或小节的结构。我在第29和30小节（示例3）中将这一点发挥到极致。
降半八分音符模式是手势，可以加速，而不是听起来像相等的音符。不要在第29小节开始处的底部D保持太久——你已经到达某个地方，但音乐要求你继续前进。在第31到36小节（示例4）的bariolage中，带出底部音符（每次都是第一和第三个半八分音符）。保持你的手臂在D弦的水平上，只轻轻接触A弦，在跨弦时几乎不移动你的手臂。
即使当第一个和第三个半八分音符变高时，也要保持在D弦上，并保持开放的A作为一个完全独立的声音。练习只演奏旋律音符，以帮助理解如何对段落进行短语。随着段落的发展，拉长弓。到达第39小节时不要放慢速度（示例5）。虽然感觉你已经到了主音，但和弦倒置了，主导D仍然存在。最好等到结束和弦，当你真正完成G大调。
阿勒曼德
在大提琴组曲中演奏任何舞蹈之前，请尝试尽可能多地阅读有关它们的信息。如果有人对你说“摇滚乐”或“说唱”，你马上就会知道他们所指的音乐风格，我认为巴赫时代的人对舞蹈也有类似的理解——即使他们当时没有跳舞。在我的研究过程中，我咨询了巴洛克舞者，这对构建阿勒曼德非常有帮助。
在许多舞蹈中，包括阿勒曼德舞、库兰特舞和吉格舞，都有一个四小节结构：第一个小节比第三个小节更重要，然后是第二个小节，最后是第四个小节。就像前奏曲一样，这个乐章需要流动。这是一种意大利风格的Allemande，其特点是线条动人，而不是双点法式舞蹈。这有助于节奏，就像开始时的alla breve标记一样。无论你选择什么速度（我从来没有告诉学生他们应该以多快的速度演奏作品，感觉必须是2/4。
阿勒曼德经常展示作曲家的精湛技艺，巴赫通过带我们穿越不同的声音世界来展示他的技巧，通常只在一个小节中。因此，你必须了解每个小节，知道何时改变和声或发音，并关注细节——但一切都在整体结构的背景下。在练习具有挑战性的部分时，请始终牢记这一点。例如，从第9小节到第11小节（示例6）的段落非常具有挑战性。每个小节都有一个新的和弦，你必须知道每个小节的感觉如何。
一旦你知道了这一点，你就可以进入细节了——巴赫在第9小节的最后一拍引入了一个C升，为在第10小节的第一拍上用E准备三全音，然后继续用C升来引入小节末尾的D大调。第13小节（示例7）在技术上非常难——一个连线包含14个音符。不按就很难握住音符。试着看看你可以在不按下或用力的情况下按住一个音符多长时间。然后尝试演奏八个音符，然后是十二个音符，然后是十四个音符。
你可以使用任何规模来做到这一点，并将其纳入你的日常工作。在动态方面，既可以渐强也可以渐弱——在表演中，我经常以一种方式这样做，然后在第二次重复时改变。只要你展示音乐的一个特点（比如在下一个小节开始时的三全音），就没有关系。下半场的配音很困难。例如，从第18小节（例8）开始，有三个声部，你必须将它们分开并理解它们——声部的乐句总是被打断，但有一种延续的形式。
在第18小节中，第二个节拍和第三个节拍的第一个半八分音符是一个声部，它返回到该小节的最后一个半八分音符并解析为第19小节的第二个节拍。中间是中间的声音。然后贝司在第19小节的第三拍出现D，然后高音再次出现。尝试给人一种低音持续时间比它更长的印象是很重要的——你实际上没有花更多的时间，但应该感觉好像你有。它有助于分别处理人声并找到快速但有共鸣的笔触，并且不会中断其余部分的流动。
吉格
这是一首精湛的作品，充满活力和欢乐。一个Gigue应该是轻松和令人振奋的，这让我很难选择发音，因为这两个手稿都不清楚。他们在第一个小节都有三音符连线，但我觉得这很单调，不太像舞蹈。我更喜欢单个八分音符，然后是两个音符的连线（示例14）。然后从第9小节开始，当音乐变得更半音化时，我切换到每拍一个弓，以赋予第一次重复的最后四个小节额外的意义。第二个小节很有趣，因为巴赫在前三个音符上写了点（见于两本手稿）。
这对巴赫来说是罕见的，因此我认为spiccato应该被夸大了。想象一下，你正在使用巴洛克弓。它们更难控制，所以当你使用这种技术时，你要么非常靠近琴弦，要么真正弹跳——我认为后者在这里更合适。点只标记在前三个音符上，但因为后面三个音符是同一个和声的一部分，我一直持续到小节的结尾。
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